STARWARS: EL DESPERTAR DE LA FUERZA

REENCUENTRO

Perdido el factor sorpresa, el gran mérito de esta película es haber logrado el tono épico de aquella que nos asombró y maravilló allá por 1977, lo que no es poco. Es como un reencuentro con unos viejos amigos a los que uno llevaba muchos años sin ver y con los que se intenta volver a vivir unas sensaciones largo tiempo olvidadas por culpa de las tres últimas entregas de la serie.

Pero ¡Ay!, el tiempo no pasa en balde y se han perdido cosas y aunque todo parezca igual ya nada es lo mismo. El argumento es casi idéntico al de la primera entrega (Episodio IV), pero el guión no profundiza ni en los personajes ni en sus motivaciones, ni explica que que ha sido de ellos en el tiempo en que no los hemos visto; el sentido del humor ha disminuido notablemente (cosas de la edad supongo), y el casting de algunos de los nuevos personajes, no es muy atinado: Daisy Riddley (Rey) está espléndida en una especie de Han Solo femenino, pero John Boyega (Finn), resulta plano y lamentable. Ninguno de los villanos irradia la sensación de terror que emitía Darth Vader o el emperador Papaltine. El resto, ritmo, fotografía, efectos especiales, música, muy bien, como no podía ser de otra forma. Pero el conjunto se queda corto, sabe a poco. Hay espectáculo pero no pasión, y sin pasión no hay emociones.

SUFRAGISTAS

OCASION PERDIDA

Llevada al cine, esta historia de la lucha de las mujeres inglesas por acceder a su derecho al voto, deja un amargo sabor de boca, como si esperáramos algo más que se nos ha escamoteado. El problema es su falta de definición: no sabemos si lo que se quiere tratar es el problema político, la rebelión contra el machismo imperante en la época, 1913, o la lucha contra las infames y mal pagadas condiciones laborales.

De esta ambigüedad adolece la película, en la que una perfecta ambientación, no impide que lo único que quede de ella en el recuerdo sea la interpretación de Carey Mulligan, muy por encima del resto de sus compañeras (Bonham-Carter se repite una vez más y Meryl Steep, en un corto papel, está penosa).

45 AÑOS

VIDAS EQUIVOCADAS

La palabra que me viene a la mente para definir esta película es "desoladora". Toda la vida, aparentemente normal, de este matrimonio que se prepara para celebrar su 45 aniversario de boda, parece desplomarse al estar toda ella basada en una gran mentira celosamente guardada por el marido. El descubrimiento del cadáver congelado de una antigua novia, fallecida en los Alpes suizos en un accidente ocurrido más de cincuenta años atrás, pone de manifiesto cual fue el auténtico amor del esposo, algo que que no ha podido olvidar nunca y que relega a su actual mujer al simple rol de sustituta para una vida acomodaticia.

Solo grandes actores podían transmitir la dimensión de la tragedia sin necesidad de recurrir a farragosos diálogos, por otra parte, casi irrelevantes. Tom Courtenay está muy bien pero Charlotte Rampling está sublime: cada arruga de su rostro, cada parpadeo o mínimo gesto, refleja con la máxima perfección, la expresión de su fracaso. Al final, la parodia de celebración es el primer acto de otro drama infinitamente más terrible.

UN PASEO POR EL BOSQUE

HACER EL OSO

Peliculita medio entretenida, con algún que otro tinte ecológico, hermosos paisajes y diálogos que, en algunos momentos, tienen una cierta comicidad. Por lo demás, resulta inverosímil que dos hombres setentones, sin la menor preparación física y uno de ellos (Nolte), ex-alcohólico y con una rodilla averiada, puedan abordar el Camino de los Apalaches, una ruta  larga y difícil para caminantes, aunque aquí esté a veces más concurrida que la calle Serrano. De hecho Bill Bryson, el escritor en cuyo libro se basa el guión,  aquí encarnado por Redford, hizo la ruta y no la terminó, cuando tenía 47 años.

El director Ken Kwapis tampoco se molesta mucho en explicarnos los motivos del viaje, omite las naturales miserias y molestias de un recorrido como este y desprecia la aportación de los personajes secundarios a los que casi ignora.

 Vulgar y olvidable.

EL PUENTE DE LOS ESPÍAS

CLASICISMO

Hay que proclamarlo, a estas alturas es evidente: Spielberg es un clásico, uno de los grandes, juntenle con los nombres que quieran. No solo por esta película, que relata las incidencias del intercambio entre el espía Rudolf Abel y el piloto Gary Powers allá por 1962, sino también por el resto de su trayectoria, "ET", "Encuentros...", "Salvar al soldado Ryan"...etc. Hasta 55 títulos. Como todos los clásicos, tiene películas mejores y otras menos afortunadas, pero siempre, es un prodigioso narrador de historias, de manera limpia y directa, en las que la cámara está donde debe estar, en las que no se precisan alardes esteticistas, el ritmo es el adecuado y los actores, todos, principales y secundarios, responden a lo que se espera de ellos (aquí unos inconmensurables Tom Hanks y Mark Rylance). El guión roza la perfección poniendo de manifiesto la lucha entre la integridad de un hombre y los turbios trapicheos de las agencias de seguridad USA. Las dos horas largas de metraje pasan en un vuelo. Cine clásico. Gran cine.

UNA PASTELERÍA EN TOKIO

ZEN

Un extenso poema zen, una sucesión de haikus, traducida en bellísimas imágenes.

Un argumento sencillo y complejo a la vez, alabanza del bien hacer en todos los aspectos de la vida.

Un guión que, lamentablemente, deja algunos agujeros, que deja abandonados, sin explicación, a varios de sus personajes, que nos los esconde.

Un cine distinto, intencionadamente moroso, que nos recrea la maravilla de la vida, con lentitud, con amor, que se detiene en mostrarnos el tiempo que pasa, la libertad del espíritu, la belleza de lo aparentemente intrascendente.

MISTRESS AMERICA

GENTE DE NUEVA YORK

Bajo la apariencia de una comedia intrascendente, Greta Gerwig escribe e interpreta uno de sus personajes patéticos, frustrados, al que el tiempo (ya ha cumplido los 31), enfrenta violentamente con la realidad y se encarga inevitablemente, de romper sus sueños imposibles, sueños que por otra parte, es absolutamente incapaz de llevar a cabo. Como contraste, una posible hermanastra (su madre y el padre de ella parecen estar a punto de casarse), mucho más joven y también llena de ilusiones, bebe de esos sueños, de esa incapacidad, y los vuelca en la materialidad de la escritura, que es la realización de sus propias ambiciones.

Y todo ello contado de una manera fluida, con diálogos aparentemente banales pero que definen a la perfección a cada persona, y con Nueva York como casi constante telón de fondo (aunque en un momento dado estén en Conneticutt), una ciudad en la que uno puede encontrarse muy solo y, al mismo tiempo, tener conciencia de estar en el ombligo del mundo y todo puede suceder.  

LA VERDAD

LA TELEVISION Y EL PODER

El cine norteamericano ha abordado  numerosas veces la relación de los medios de comunicación con el poder (Brooks, Lumet, Pollack...), siempre con un loable sentido de autocrítica, y a veces, creando auténticas obras maestras. En esta ocasión, trata de la investigación que un programa de la CBS, "Sixty minutes", realizó sobre el historial militar de George W. Bush que acabó con el despido de la gran estrella de su noticiero, Dan Rather y su productora Mary Mapes.

No hay en este sentido, ninguna novedad en esta película. El resultado es sabido: los malos ganan, la CBS se rindió y la independencia de la cadena nunca volvió a ser la misma. Pero está admirablemente bien contada, el ritmo nunca decae, todos los actores están espléndidos, liderados por una maravillosa Kate Blanchett, y el resultado es un producto industrial admirablemente bien empaquetado, que se deja ver con idéntico interés que el mejor de los thrillers.

RAMS

PURO CINE

Película dura, cruda, implacable, tan desnuda como el paisaje en que se desarrolla. Hay un mucho de tragedia griega en esta historia de dos hermanos ganaderos de ovejas, enfrentados desde hace largo tiempo, que solo son capaces de unirse cuando una posible epidemia pone en peligro su modo de vida al amenazar la existencia de sus animales que constituyen su único vínculo con el pasado.

No hay nada en la realización que intente suavizar el drama. La cámara recoge el aspecto de las gentes tal y como son, en un país, Islandia, que nos es extraño en su primitivismo, en un mundo que creemos civilizado. No hay apenas diálogos y no se echan en falta, las imágenes son tan poderosas que evocan algunas grandes películas de antaño,  "Avaricia" de Von Stroheim o "El viento" de Sjostrom que, sin tener nada que ver desde el punto de vista argumental, acuden a mi mente. Actores perfectos, poderosos, simplemente por su presencia física. Gran cine, desolador si se quiere, pero cine puro.

DHEEPAN

EMIGRANTES

Esta es una historia de hoy mismo, sobre personas a las que las guerras, por muy diversas razones, obligan a a abandonar su país, su vida; sobre como tienen que adaptarse a un nuevo mundo del que desconocen todo, que les resulta extraño, a nuevas costumbres y lenguas, en definitiva, a un nuevo modo de ser y vivir.

 Mientras Audiard se mueve en su relato sobre los parámetros anteriores, construye una película sólida, lúcida, valiente, que cuenta con vigor el extraordinario drama de estos seres humanos. Cuando introduce elementos de "thriller", se pierde vigor y claridad. Aunque sobren algunos esteticismos gratuitos y un "happy end" un tanto utópico, el tratamiento del tema, el ritmo, y unos maravillosos y desconocidos actores, hacen de "Dheepan" un documento realmente importante y necesario.

MARTE

SOLIDARIDAD

Versión actualizada de Robinson Crusoe, solo que en lugar de isla desierta tenemos todo un planeta. Ridley Scott, ayudado sobre todo por su guionista Drew Goddard, ha sabido construir una película enormemente entretenida, en la que se destaca no solo el ingenio del hombre para sobrevivir, sino también la solidaridad de un equipo dispuesto a arriesgar sus vidas para salvar a un compañero. Además ha sabido contar todo con un ritmo muy vivo, creando situaciones de suspense cuando era necesario e impregnando todo de un notable sentido del humor, apoyado en un enorme Mat Damon capaz de reaccionar ante cada situación  con un mínimo de gestualidad o realizar complicadas operaciones tecnológicas con la misma naturalidad que cualquier ser humano pone en los actos de su vida cotidiana.

En esta vuelta al espacio de Scott, que nadie espere una obra profunda al estilo de "Blade Runner", se trata, finalmente, de un producto destinado a entretener, pero un producto muy bien hecho que logra conseguir atraer la atención del espectador desde principio a fin.

LEJOS DE LOS HOMBRES

SOBREVIVIR

Un hombre, maestro ahora militar en el pasado, se ve obligado a acompañar a un asesino confeso que se quiere entregar a la justicia. La película es el relato de ese itinerario a través de un paisaje desértico, alucinante, casi lunar. Es una estructura clásica de western, pero resulta que estamos en Argelia en 1954. Hay rebeldes argelinos que hacen las veces de indios y paracaidistas franceses equivalentes al séptimo de caballería. No es un viaje iniciático en el que los hombres hallan lo mejor de sí mismos y está bastante bien contada, pero podía haber sido mucho mejor si se hubiera tratado de algo más que una simple lucha por la supervivencia.

Hubiera sido necesario que el guión profundizara algo más en los personajes, que nos aclarara  sus motivaciones, las razones de su presencia en el lugar, sobre todo en lo referente al maestro, Viggo Mortensen, porque el otro protagonista, Reda Kateb, sí está bien definido, aunque nos decepcione su actitud final. Sobran algunos preciosismos de la cámara que no vienen a cuento y que no aportan nada. Se echa de menos la desnuda sobriedad de un Boetticher, de los primeros Mann, en la que los hombres son el eje de la acción y su entorno el mundo en que se desenvuelven. Quizá falta épica y lirismo. Aun así, el director se ha aproximado mucho a esa narrativa y el resultado es más que suficiente. Ya es bastante.

IRRATIONAL MAN

MÁS DE LO MISMO

Woody Allen rebusca en el baúl de sus recuerdos y encuentra unas cuantas ideas que ya había tratado anteriormente pero a las que todavía puede sacárselas algo de jugo. A los espectadores forofos del director (entre los que me cuento), les vendrá a la memoria "Manhattan" (relación maduro - jovencita), "Delitos y faltas" (crimen impune) o "Match point" (más de lo mismo pero introduciendo el factor suerte).

Dicho lo anterior en relación con el argumento, aquí sucede lo que cabe esperar de un gran director: un guión admirablemente construido, una realización fluida con el ritmo adecuado, actores que dan lo mejor de sí mismos y unos diálogos con alguna que otra chispa y las justas dosis de la filosofía del autor. En suma, un bien acabado producto de un equipo con mucho rodaje y muchos años de trabajo juntos.

¿Qué pasa entonces? Pues que todo deja una sensación de "dejá vu", de que lo hemos visto antes pero mejor, que se ha perdido la originalidad y ¿por qué no decirlo?, la chispa, la magia que siempre aparecía en las películas de Allen. Aun así, dejemos claro que esto es mejor que el 99,9 % del cine que vemos habitualmente, y que, en cualquier caso, está muy bien. Pero uno esperaba, como siempre, algo más. Habrá que aguantar hasta el año que viene.

UNA SEGUNDA OPORTUNIDAD

SER MADRE
Susanne Bier recorre vacilante el fino alambre que separa el bien del mal, las consecuencias de una acción  egoísta, pero aparentemente cargada de buenas intenciones, obviamente abocada al fracaso al ser contraria a la ley natural.

Esta historia sobre el modo de enfrentarse a un hecho tan hermoso como es la paternidad, es un drama oscuro y terrible que no arroja luz sobre la incapacidad de algunos seres humanos para enfrentarse a una desgraciada realidad. Queda solamente el respiro que supone el tenue hilo que une a una madre con su hijo, por muy degenerada  que esté física y moralmente. Sobran primeros planos que no aportan nada y falta motivación en la redención del policía Simon, personaje encargado de restablecer la normalidad, de hacer que la vida vuelva a su rutina cotidiana.

UNA SEMANA EN CORCEGA

ESTUPIDEZ

Remake de una película de Claude Berri con guión propio, de 1977, ya reutilizada por Stanley Donen en 1984 ("Lío en Río"), que ahora Jean François Richet vuelve a utilizar situando esta vez la acción en Córcega, algo que carece de importancia, salvo para mostrarnos algún que otro paisaje sin relación específica con la trama.

La historia de estos dos amigos, uno divorciado y el otro en trance de serlo, que se van de vacaciones a la isla con sus respectivas hijas de las que una de ellas se enamora estúpida y obsesivamente del padre de la otra,  carece del más mínimo interés. Tal y como se nos presenta, todo resulta absurdo e increíble y todo, incluida la interpretación de los actores, increíblemente exagerado.

Stanley Donen le dio a su versión un aire de comedia, en esta de Richet, no se sabe que es lo que ha querido hacer ni que ha intentado contarnos.

ATICO SIN ASCENSOR

CONVIVENCIA

Esta es una historia sencilla y romántica. Un atípico matrimonio mayor (Keaton y Freeman) busca un piso más adecuado a su próxima vejez, la de ellos y la de su perra. Pero llevan más de treinta años viviendo allí, en ese barrio, en Brooklin, y el piso forma parte de sus vidas y, por supuesto, está indisolublemente unido a sus recuerdos.

No hay nada amargo en la película, el director ha puesto mucho cuidado en ello. Se trata simplemente de recordar momentos,  de contar como eran y como son esas personas, y la relación que había y hay entre ellos. Sobran muchas veces las palabras (de eso ya se encarga su agente inmobiliario). Bastan las miradas, los pequeños gestos producto de una larga y feliz convivencia. Si el cine es una forma de mirar, este es un buen ejemplo, las miradas lo dicen todo. Para esto se necesitan  estupendos actores: lo bordan, hay química entre ellos. No hace falta más ni tampoco se pretendía.

MIENTRAS SEAMOS JOVENES

GENERACIONES

Película extraordinariamente confusa en la que tras una apariencia de comedia, parece esconder una crítica sobre las actitudes de dos generaciones distintas: una, la mayor, aferrada a la verdad, al rigor, pero incapaz de producir resultados. Otra, la más joven, que usa para lograr sus fines cualquier medio, sin preocuparse demasiado de la ética de sus acciones. Todo esto contado a través de la relación entre dos parejas en las que los maridos son directores de documentales, y las mujeres representan un papel de simple acompañamiento.

Hay otros temas, como el envejecimiento y la creatividad, la incidencia de los hijos en la vida familiar y en la relación matrimonial o el trasvase del aspecto físico entre una generación y otra, como si esto fuera suficiente para recuperar la inspiración perdida. Pero ninguno llega a interesar.Las buenas intenciones no llegan nunca al espectador, las mata el aburrimiento. Todos estos temas ya los trató Woodie Allen con mucha más inteligencia y mucho más éxito.

MR. HOLMES

OCASO

1947. Sherlock Holmes tiene 93 años y vive retirado en un pueblo de Sussex, alejado de sus investigaciones y dedicado a la apicultura. Fallecido el Dr. Watson, escritor de sus hazañas, Holmes se esfuerza, en lucha con su decreciente memoria, en intentar poner sobre el papel su último caso, que él consideró siempre un fracaso.

Vestigio de una época pasada, el auténtico problema que Holmes debe resolver es su sentimiento permanente de soledad, que, inicialmente, ni su ama de llaves ni el hijo de esta pueden solucionar. Hay aquí, una narración dentro de otra, pasado y presente, llevadas ambas con convincente sutileza, no exenta de una cierta premiosidad que lastra el ritmo, por Bill Condon, ayudado por una espléndida cinematografía y unos interpretes, Ian McKellen, Laura Linney y el joven Milo Parker, que asumen sus personajes de tal modo que los hacen próximos y reales.

Película crepuscular que retrata el final de un mito, que aun a pesar de su senilidad, conserva la lucidez e inteligencia con la que siempre le hemos tenido en nuestra memoria.

DEL REVÉS

NIÑOS ABSTENERSE

Hay en esta película de Pixar una idea de principio fabulosa y difícil: mostrar el cúmulo de emociones de un niño, alegría, tristeza, ira...Todo está razonablemente bien si nos referimos a los personajes principales que son justamente las emociones, aunque ninguno llega a crear la deseada empatía con el espectador, pero la  narración se desvía por complicados vericuetos (como volver a introducir los recuerdos esenciales en el control central) y se pierde en oscuros laberintos, caídas vertiginosas en simas insondables o arriesgadas odiseas, y todo sobre unos segundos términos (las islas) horrorosos, de pésimo  gusto, indignos de gente que nos ha dado joyas como "Ratatouille", "Up", "Wall-E" o ""Monsters Inc." por citar algunas de mis preferidas.

Quede claro que a pesar del "happy end", como no podía ser menos, no se trata de cine infantil y dudo que a los niños les guste o la entiendan. Tampoco a los mayores.

MI CASA EN PARIS

ACTRICES
Segundo largometraje de un escritor, Israel Horovitz, autor de numerosas y exitosas obras de teatro y guiones para TV que, a través de este melodrama, intenta aproximarse a temas importantes como el fracaso, el amor libre de prejuicios, la libertad personal o el modo de enfrentarse con la vida. Pero las buenas intenciones se hunden merced a un guión premioso y claustrofóbico y a una dirección carente de ritmo, repetitiva y plana, que además no ha sabido o podido ocultar el origen teatral de la historia y que nos hace, en momentos, rozar el aburrimiento. Lo que al principio parece iniciarse como una comedia, acaba siendo un dramón de infancia desgraciada y amores secretos.
Lo que salva la película es la interpretación de las dos actrices, justa, contenida, espléndidas: Maggie Smith y Kristin Scott Thomas. No entiendo que haya quien diga que Kevin Kline está bien, porque está pasado de vueltas. Lo mejor, la casa (sin olvidarnos de algunos de sus muebles).

LIO EN BROADWAY

IMPOSIBLES

"Que pena, se ha muerto Lubitsch".
"Peor aún"- contestó Wyler-"Ya no habrá más películas de Lubitsch".                                                                              

El cine clásico, el de la edad dorada, está muerto y es claramente irrepetible. Bogdanovich lo intentó, y le salió bastante bien, en "¿Que me pasa doctor?" o incluso en menor grado, en "Todos rieron". Pero en esta ocasión el patinazo es importante. El caso es que el guión presenta situaciones adecuadas para una "screwball comedy", pero lo que sucede es como si la cámara no supiera que hacer con ellas. Existe un problema de contención, de frenazos intermitentes (la conversación entre Izzy y la periodista es un buen ejemplo), que destrozan el ritmo y alteran la continuidad de la película. Uno está con media sonrisa, esperando algo que le haga soltar la carcajada, pero nunca sucede. Si se quería homenajear a Lubitsch, recordemos que en él todo era sutileza. De no poder llegar a eso, hubiera sido más eficaz usar la brocha gorda y lanzarse por el camino del desmadre, algo que sí ocurría en "Que ruina de función". 

Es una pena que alguien que ama tanto el cine y conoce tan bien a los clásicos como Bogdanovich, se haya equivocado, sobre todo por el tiempo pasado desde su última película. Bien todos los actores, pero atención a Imogen Poots,  aporta frescura, borda su papel y tiene una sutil vis cómica. Ella es lo único que a Lubitsch le hubiera gustado.

MI FAMILIA ITALIANA

RECUERDOS

Cristina Comencini se monta un vodevil en el que ex-esposas, hijas de varias madres, yernos aprovechados, críticos, conocidos e incluso un ex-amante masculino, participan en un homenaje en su ciudad natal al que fue su pareja, un "latin lover" mezcla de Marcelo y Vittorio, recientemente fallecido.

La narración recuerda bastante a "Un funeral de muerte", pero el desmadre y el humor negro, han desaparecido. Aún así, el ritmo es fluido, los diálogos rápidos y el casting italo-español lo hace suficientemente bien para que uno acabe por apreciar a los personajes. Como solo se trataba de entretener, el objetivo, más bien que mal, llega a cumplirse. A destacar que fue la última película de Virna Lisi y eso evoca mejores recuerdos.

ELSA & FRED

¿POR QUÉ?

De Michael Radford se podía esperar algo más, aunque solo fuera por el recuerdo del "Cartero y Pablo Neruda", en este remake de la película de Marcos Carnevale de 2005, en el que los papeles de Manuel Alexandre y la China Zorrilla, están ahora interpretados por Christipher Plummer y Shirley MacLaine. Pero en esta versión, se ha perdido el encanto y todo suena a falso, sin gracia, y el resultado acaba siendo horrible. Plummer se salva pero MacLaine resulta increíble y patética.

Al final, uno se pregunta porque se habrá hecho esta película y lo único que se me ocurre es la carencia de ideas de los guionistas que, antes de ponerse a imaginar, prefieren copiar y estropear el pasado.

APRENDIENDO A CONDUCIR

LIBERTAD

Con un guión ajeno, Isabel Coixet se embarca en un género nuevo para ella, la comedia, y demuestra que lo puede hacer muy bien. 

Ciertamente, esta historia de una mujer abandonada que reencuentra su camino y su libertad a través de las clases de conducir que le da un profesor sij que además la pone en contacto con los problemas de la vida real y la hace salir de la burbuja en que se había encerrado, se prestaba también a retratar la vida de los emigrantes en NY y su lucha por no perder su identidad, aun aceptando su nueva nacionalidad. Pero la directora ha preferido esta vez seguir un camino más sencillo y al guión como a la película le falta dureza, aunque la interpretación de los dos protagonistas, Patricia Clarkson y Ben Kingsley, y unos diálogos brillantes tapan las carencias de ritmo y la previsible narración resulta siempre muy agradable de seguir.

UNA SEGUNDA MADRE

¿BRASIL?

Llega tan poco cine brasileño a nuestros cines que una película de esa nacionalidad es un objeto raro, más si se trata de un melodrama contemporáneo, vehículo para, al menos, poder tener una fugaz visión del país actual . En ese sentido, nos sorprende la historia de esta criada que tras muchos años de servir en una casa de lo que podríamos llamar clase alta, sigue siendo considerada por su "señora" como personal de servicio sujeto por tanto a una serie de limitaciones y al que se le recuerda de forma permanente su condición. Todo esto da lugar a una feroz crítica social, a la que por insólita, no estamos acostumbrados. Por otra parte, esta familia presenta rasgos singulares que empobrecen el mensaje. La señora de la casa es un personaje despótico, popular, del que no sabemos casi nada. Su marido, un ex-pintor interesante, dueño de la riqueza familiar, lleva aparentemente muchos años sumido en la depresión. El hijo, un consentido débil de carácter, ha sido criado prácticamente por la "tata" con la que le une una superficial relación afectiva (como todo en él) y un cierto grado de dependencia, una relación que la criada no ha sido capaz de establecer con su propia hija a la que ha mantenido en la distancia.

Es justamente la llegada de esa hija a la ciudad (Sao Paulo) para realizar el examen de selectividad, la que va a provocar la puesta en marcha de un proceso imparable que solo puede acabar con la liberación de los únicos personajes que la merecen, los que deciden no aceptar las condiciones de sumisión a las que se ven sometidos, los que se rebelan contra unas normas obsoletas y deciden enfrentarse con la vida bajo unos parámetros de total libertad.

Películas con contenido tan denso, tan barroco, apenas necesitan del apoyo de un lenguaje cinematográfico sofisticado, que es por tanto, simple y directo. Dependen casi por entero del guión y, en este caso, aunque no está mal construido, deja demasiados hilos sueltos, personajes que nos quedamos sin conocer, motivaciones que no se nos explican. Queda, a pesar de todo, un film interesante, ejemplo de una cinematografía de la que a uno le gustaría saber más. 

LOS INSÓLITOS PECES GATO

AMOR
Podría pasar por un típico culebrón mejicano, pero hay algo más: pertenece al muy noble género del melodrama. Está contado con una gran sensibilidad y delicadeza, con pudor, como si se sintiera vergüenza de contar un drama, pero la habilidad es que dentro del drama hay casi una alegría soterrada. Y resulta que lo que de verdad es, es una película sobre la soledad y la integración, y también sobre la solidaridad y el amor. Todo sin grandes gestos, de una forma muy sencilla, dejando que sea la cámara la que trasmita la realidad y, al final, uno se queda con un sabor agridulce, pero así es casi siempre la vida.
PS: No acabo de ver la relación del título con la película, aparte de lo que vemos en el acuario del muchacho.

REQUISITOS PARA SER UNA PERSONA NORMAL

DESCARO

Leticia Dolera plantea una comedia de autoanalisis que, al mismo tiempo, pretende retratar la sociedad y los tiempos en que nos ha tocado vivir. Es inevitable que a la memoria acudan algunos nombres que claramente la han servido de inspiración, Woodie Allen, Norah Ephron e incluso Billy Wilder (el travelling final con la protagonista corriendo, está sacado directamente del de Shirley McLaine en "El Apartamento").

Dicho todo lo anterior, que no cunda el pánico. Lo que ha hecho en este su primer largometraje, es juntar varios cortos con diversos chistes y situaciones (en eso ya tenía experiencia), y articularlos alrededor de la protagonista, que es ella misma. Algunos son mejores que otros, alguno sobra (la homosexualidad del hermano con síndrome de Down es la típica salida de pata de banco progresista, que no aporta nada por donde está situada), otros pasan casi desapercibidos.

Lo que ocurre es que la cosa funciona, que el ritmo no decae, que los actores están bien (con  el lunar de la insoportable Silvia Munt), que es básicamente una película alegre, que es cortita (82 minutos más o menos) porque la cosa no da más de sí y que conserva intacta, la frescura de una opera prima. Será interesante ver el producto de su trabajo con un guión más solido y que aporte algo más que un rato de distracción.

NUESTRO ÚLTIMO VERANO EN ESCOCIA

FAMILIA

Si alguien piensa que esta es una simple comedia con niños y peripecias vacacionales se equivoca. Olvidense de "Un funeral de muerte" y piensen más en películas como "Stand by me", "Little Miss Sunshine" o la casi olvidada "Viento en las velas".

Hay mucha profundidad en esta historia de una familia que se traslada a Escocia para celebrar el cumpleaños del abuelo, afectado de una enfermedad terminal, y al que se le quiere ocultar la realidad de la situación matrimonial de sus hijos. En primer lugar, es un alegato en favor de la convivencia, de la comunicación entre personas que apenas se oyen y desde luego, no se escuchan. En segundo lugar es un implacable y excelente retrato de una clase social que únicamente pretende asombrar y hacer gala de su estatus y se olvida de lo más importante, como es el amor entre los miembros de la familia. Y, por último, es el encuentro de los niños con la muerte de un ser querido, encuentro resuelto con plena naturalidad, como algo que asumen mejor que sus mayores y que les sirve de pretexto para volcar en la despedida todo su amor a la única persona que parece haberles prestado la debida atención.

Lo más hermoso de la película es que no ha huido del drama y nunca abandona la comedia, difícil paradoja que solo se consigue por medio de un guión sabiamente estructurado y unas interpretaciones contenidas, que si son de esperar en actores como Bill Connolly o Rosamund Pyke, resultan sorprendentes en los niños sobre los que recae el peso de la narración.

LA PROFESORA DE HISTORIA

MOTIVACIÓN

Las escuelas públicas en los barrios marginales de las grandes ciudades, sobre todo en Europa, constituyen un micromundo en el que se cuecen todas las razas y niveles de la escala social. Honrados ciudadanos, futuros delincuentes, gente normal, genios o terroristas en potencia. Esta película transcurre en ese mundo, pero solo lo utiliza como escenario, porque lo que de verdad trata es de como con la adecuada motivación, ese magma variopinto puede integrarse, transformarse hasta alcanzar un sentimiento de unidad y, finalmente, tomar el camino mejor. Solo se necesita que alguien con la inteligencia y el valor suficientes, en este caso una maestra, pulse las teclas adecuadas para que todo cambie. Es, se dirá, un cambio pequeño, solo afecta a una clase, pero sirve para marcar como pueden hacerse las cosas y, en todo caso, la vida vuelve a empezar en el curso siguiente.

Este tipo de "docudramas"-realidad más narrativa-cuando están bien hechos, con emoción, siempre funcionan y  este caso es realmente espléndido, sobresaliendo una interpretación coral que alcanza portentosos niveles de comunicación con el espectador.

LA FAMILIA BELIER

 FAMILIA

Hace años, muchos, a este tipo de películas las llamábamos cine familiar: comedia amable, un toque de melodrama, sin gran profundidad, personajes todos buenísimos, final feliz y apta para todos los públicos.

Ahora parece que hay que complicar más las cosas y se añaden nuevos temas con el deseo de dar más trascendencia, temas que nunca acaban de desarrollarse y emborronan la idea inicial. Así, a esta historia de una chica que es la única normal en una familia de granjeros sordomudos, razonablemente acomodados, se le suman problemas vocacionales, de búsqueda para seguir su propio camino dejando atrás la granja familiar, una leve historia de amor juvenil y hasta una interferencia con la política  actual en la que se juega con la minusvalía que afecta a la familia. Por si fuera poco, a la protagonista le descubren una voz preciosa, aunque, lamentablemente,si las letras de las canciones de Michel Sardou que se escuchan tienen una cierta calidad poética, la música no resulta lo suficientemente pegadiza ni tiene peso en el contexto general, como para que pudiéramos hablar de una película musical.

No hay que preocuparse, todo acaba bien y uno no llega a aburrirse pero tampoco a interesarse demasiado. Pese a su éxito de taquilla en el país vecino, me queda la preocupación si un granjero francés, de los de verdad, no pensará al verla que se trata de pura ciencia ficción.

LECCIONES DE AMOR

PALABRAS E IMAGENES

Estúpido título que no refleja el contenido de una película que prometía más de lo que da. El original, "Words and pictures" refleja mejor esta batalla entre dos profesores de Instituto que se enfrentan cada uno dentro de su especialidad. Ella (Juliette Binoche) profesora de arte avanzado, él (Cliff Owen) de Arte avanzado. Desde el punto de vista cinematográfico, ganan las imágenes (cuadros) porque ella es infinitamente más creíble que él, lo que no evita que sobre la narración pese un cierto "dejá vu", incluso perceptible en la definición de los personajes, (la pintora lastrada por problemas físicos el escritor alcohólico que ya no escribe), que hace que los resultados sean previsibles.

No obstante, quedan unos diálogos de cierto nivel cultural, aunque algo pomposos como si estuvieran dirigidos a un público "in", y un ritmo adecuado que hace que el entretenimiento no decaiga y la película se vea con un cierto placer culpable.

CAPITAL HUMANO

APARIENCIAS

Contar una historia componiendo el relato a través de lo vivido por sus distintos protagonistas, no es nuevo en el cine, basta recordar la espléndida "Rashomon". En este caso, a partir de un accidente en el que un hombre muere atropellado, la narración se estructura en distintos capítulos, correspondiendo cada uno a los personajes importantes del drama. Se pretende construir un fresco sobre los diferentes estratos de la sociedad italiana, desde el "broker" millonario y egoísta que solo mira por sus intereses, hasta el arribista de clase media que usa a su hija para escalar puestos en la sociedad sin importarle otra cosa más que las apariencias inherentes a ese estatus social. La mencionada estructura de capítulos dota de coherencia al conjunto, pero no impide que por diversas razones, haya algunos mucho mejor que otros lo que rompe el equilibrio de la película.

Pero algo falla: alguno de los personajes resultan increíbles (por ejemplo y particularmente, el agente inmobiliario lastrado por una interpretación exagerada y lamentable, o el hijo del broker prototipo de niño pijo malcriado), o las relaciones entre ellos ni están desarrolladas ni se nos explican (sobre todo las de los matrimonios que no resultan coherentes con la personalidad de cada uno). Al final, lo que queda en la memoria es alguna sugerencia de adulterio (algo típico en la alta sociedad italiana), una pequeña historia de amor (entre los más jóvenes y desclasados) y unas situaciones que uno tiene la impresión de haber visto antes en repetidas ocasiones por la obviedad resultante.

AGUAS TRANQUILAS

INCOMPRENSION

Salgo de ver esta película japonesa un tanto confuso. Tengo la sensación de que en algún momento me he ido de ella, que me he perdido. Me la han querido vender como el descubrimiento por unos adolescentes, un chico y una chica, de los ciclos de la vida, el amor, la muerte, la vejez, en una relación paralela con una naturaleza a veces hostil, a veces serena. Todo ello en contraste constante entre tradición y modernidad.

Pero son demasiadas historias. El chico es un personaje tarado por la separación de sus padres, lleno de miedos y fobias. La chica, en cambio, disfruta del amor de su entorno familiar, y aunque su madre se está muriendo  (sus creencias hacen que ese trance se nos presente como una muestra más de la felicidad con que se ha desarrollado su vida), es el personaje fuerte, el que toma las decisiones, o, mejor dicho, el que sabe decidir. Pero quedan muchas cosas si explicar, símbolos que escapan a nuestra comprensión. ¿Por qué la chica se baña vestida?¿Hay relación entre los tatuajes del cadáver encontrado flotando con el padre?¿La actitud del muchacho es anterior o consecuencia de ese hallazgo?

Al final, un final supuestamente feliz, no sé muy bien lo que  han querido contarme. Si miro secuencia a secuencia, aprecio una extraordinaria belleza, pero considerándola como un todo, pensando en lo que debería ser el tema central, se me escapa, no me llega a emocionar, como si me hubieran contado la historia de un modo distante, como si se tratara de un mundo próximo a la directora pero demasiado alejado de mí como espectador.

LA DAMA DE ROJO

UNA ACTRIZ
Esta sería una película muy corriente. Tiene un guión medianamente pasable con unos cuantos agujeros, una más que correcta ambientación, buena fotografía y una dirección aseada, sin más. Trata de la lucha judicial de una persona por recuperar del gobierno austriaco unos cuadros de Klimt, incautados por los nazis, que le corresponden por herencia, entre ellos el famoso retrato de Adele Bloch-Bauer, que pone el título a la película. El resto importa poco o ha sido tratado con descuido, como las relaciónes entre el abogado (Ryan Reynolds) y su mujer (Katie Holmes) o la actitud de los otros bufetes que parecen moverse solo por el dinero sin importarles la causa que defienden o el extraño personaje representado por Daniel Brühl al que no acabamos de conocer.
Pero hay algo distinto: la persona que lucha por recuperar los cuadros, Maria Altmann, está interpretada por Helen Mirren y la película gira en torno a ella; el placer de verla en la pantalla eclipsa todo lo demás. Pocas veces he visto una interpretación tan ajustada que ponga tanto de relieve las calidades más profundas de lo que significa actuar en cine. Sin histrionismos, con la mirada, con gestos casi imperceptibles, con un portentoso dominio del lenguaje corporal, uno se pasa el tiempo esperando sus apariciones, porque cuando lo hace (y hay que decir que está casi siempre presente), aparece la vida, y es que ella es la vida de la película y lo que justifica verla.

EL AÑO MÁS VIOLENTO

SERENIDAD

Hay algo que falla en esta, por otra parte, espléndida película. Quizá es ese algo indefinible que separa las buenas películas de las obras maestras. En cualquier caso, da la impresión de que J.C. Chandor podía haber sido algo más explícito en algunos extremos del guión, en el que algunas motivaciones quedan sin aclarar o, al menos, nos dejan envueltos en una cierta confusión. Aun así, la creación de una atmósfera densa, opresiva, en la que casi se puede oler la podredumbre, en la que existe permanentemente una sensación de violencia soterrada, que apenas necesita ser mostrada, en la que los personajes cobran vida simplemente por su perfecta definición y a los que los actores otorgan una necesaria presencia física (en particular Jessica Chastain, que no es santo de mi devoción, y, el para mí desconocido, Oscar Isaacs), revelan una dirección lúcida, plena de serenidad, en la que solo se echa en falta un cierto "climax" como vía de escape ante tanta tensión acumulada.

DIPLOMACIA

PALABRAS

Con mucho retraso y en DVD, he visto esta película de Volker Schlondorf que, verdaderamente, no pierde calidad al ser vista en televisión. Retrata el largo dialogo entre el general Von Choltitz (Nils Arestrup) y el cónsul de Suecia Nordling (André Dussollier) en el que este último trata de convencer al militar para que, incumpliendo las ordenes de Hitler, no destruya París la víspera de la entrada de los aliados en la ciudad en el verano de 1944. Salvo alguna escapada ocasional, la película se desarrolla toda ella en la suite que Von Choltitz ocupaba en el Hotel Meurice, cuartel general de las tropas alemanas de ocupación.

La película, que funcionó aquí extremadamente bien en taquilla, me ha causado una profunda decepción. No solo porque apenas esconde su origen teatral, sino por su fracaso en el tratamiento cinematográfico que precisaría de un guión en el que las intenciones de los personajes quedaran más claramente retratadas y se les desposeyera de esa ambigüedad con que Schlöndorf les ha tratado y que, en momentos, roza la frivolidad. Al final, conociendo el resultado, se tiene la sensación de que todo lo anterior sobra, de que todo estaba fijado de antemano.

Hace ya unos cuantos años, Josep Maria Flotats y Carmelo Gomez, interpretaron una obra, "La Cena", en la que Talleyrand y Fouché, decidían mano a mano el destino de Francia la víspera de la entrada de Wellington en París tras su victoria en Waterloo. Había mucho más cine en aquella obra teatral que en esta "Diplomacia". En escenarios casi idénticos, comparando interpretaciones, el espectador salía de la función iluminado, había asumido dos puntos de vista contrarios, había participado en el combate mental de los protagonistas y en su manera de enfrentarse a su destino. Justamente todo lo que en esta película no existe. 

CALVARY

EL PERDÓN

En un rincón desolado de Irlanda, cuyo paisaje parece dejar su huella en el carácter de sus habitantes, se desarrolla esta película que tiene algo de thriller y gotas de comedia negra, pero que, por encima de todo, expone con toda crudeza el valor de la bondad y la maldad de los hombres. Sobre este fondo se desarrolla la historia de un sacerdote católico amenazado inexorablemente de muerte por uno de sus feligreses durante una confesión.Temas actuales, como los curas pederastas o la crisis económica, condicionan el comportamiento de unos seres que vuelcan su frustración y sus errores pasados con el protagonista y este es quizá, el punto más débil del guión, dado que se traduce en un exagerado fanatismo radical hasta casi representar el MAL absoluto.Pese a todo, el sacerdote, olvidando su terrible situación personal, nos transmite a través de su búsqueda por afirmarse en las razones de su fe, el concepto del perdón como virtud suprema.
No hay en toda la película, una secuencia que no emocione y esto hay que achacárselo a la austera dirección, a la formidable interpretación de Brendan Gleason y a unos diálogos secos, ajustados, en los que no sobra ni una palabra lo mismo que no sobra una imagen.

SELMA

VERDADES MOLESTAS

Vaya por delante: SELMA no es un documental aunque use planos extraídos de los noticiarios de la época. Se trata de la reconstrucción cinematográfica de la marcha que Martín L. King organizó en 1965 entre esa población y Montgomery, capital del estado de Alabama, para forzar al presidente Lyndon Johnson a aprobar la ley que obligaba a todos los estados a dejar votar a la gente de color. Y es una reconstrucción rigurosa y lúcida que por momentos parece adoptar la forma de una película de suspense o incluso de un western crepuscular en el que esta vez, los indios salen vencedores. Para ello, no ha sido necesario buscar un guión barroco o hacer alardes de cámara, sino simplemente, narrar la HISTORIA, (así con mayúsculas) con una encomiable austeridad y dejar que las imágenes produzcan su efecto.Estupendas y sobrias interpretaciones tanto de los actores conocidos (Wilkinson, Roth), como de los desconocidos y una banda sonora espléndida. Película que vale la pena ver, que se debe ver. Que así fueron las cosas y no deben olvidarse. 

KINGSMAN

MENOS ES MAS
Cuando uno recuerda "James Bond contra el Dr. No" viene a la memoria una película alegre, entretenida, con una considerable carga de erotismo, en la que acción y discurso estaban perfectamente equilibrados. Los siguientes episodios de la saga fueron perdiendo gradualmente aquellas virtudes. Ahora, "Kingsman, Agente secreto" pretende ser una parodia de aquellas, a las que hace constantes referencias, para lo cual ha contado con los mismos ingredientes, salvo el erotismo que brilla por su ausencia, y que resulta ser uno de los más fundamentales. Pero el problema no está ahí: lo que se ha perdido totalmente es el equilibrio, lo que hacía que las películas de Bond procuraran un entretenimiento seguro ( sobre todo las de Bond-Connery y algunas de las de Roger Moore y Pierce Brosnan). Ahora todo se nos da en demasía, hasta producirnos un hartazgo y, en definitiva, empacho, aburrimiento. Todo dura excesivamente, las peleas, los gags, los efectos especiales, los discursos. Al terminar Kingman, se nos pierde la parodia y uno piensa y desea que alguien con criterio se siente en una sala de montaje (diríamos con una moviola si todavía se rodara en celuloide), y proceda a aligerar la película, a podarla de todo lo que le sobra, a dejarla reducida a su esencia, a su prístina intención paródica  que, en sí misma, resulta encomiable. Y es que parece que el cine de hoy ha olvidado la máxima de Mies Van der Rohe y en lugar de menos es más, se siente obligado a "cuanto más y más largo, mejor". Creo que ya he hablado de esto. Las buenas intenciones no bastan, de  ellas está empedrado el camino del fracaso, aunque en este caso, la pretensión es tan leve, que carece de importancia.

EL FRANCOTIRADOR

FRÍO

Los "biopics" suelen jugar malas pasadas: el deseo de ceñirse a la realidad coarta el desarrollo del guión y hace que este no tenga su propio desarrollo cinematográfico. En este caso, no queda nada claro lo que Eastwood ha querido contar. ¿La alienación sufrida por el protagonista a causa de su misión en la guerra? Kathryn Bigelow ya lo contaba muy bien en "En tierra Hostil". ¿El horror de la propia Guerra? Hay más emoción en los 20 o 30 primeros minutos de "Salvar al soldado Ryan" que en toda esta película. Y si hablamos de francotiradores recuérdese "El enemigo en puertas". Aquí hay una narración correcta, pero fría, distante, carente de pasión y emociones. Las escenas domésticas,el choque de Kyle con su vida familiar, sus problemas de integración, no llegan a interesar lo suficiente como para que percibamos su dureza, pese a la buena interpretación de una sorprendente Sienna Miller. Al final, uno piensa que lo que ha visto está bien, pero que, como pasa con tantas películas, no vamos a tardar mucho en olvidarla. 

BRASSERIE ROMANTIC

FRUSTRACIÓN

Podía haber sido mucho mejor, pero al final todo se queda en una buena idea con un desarrollo incierto y vacilante. Porque el estudio sobre el amor aprovechando la presencia en un restaurante de unas parejas en el día de SanValentín, daba pie a algo más que este melodrama frustrado, carente totalmente, y este es el gran problema, de sentido del humor. Hay momentos felices, instantes en que la tensión en cocina y sala discurren por caminos paralelos, pero todo se queda corto, hay cosas que se apuntan pero que no acaban de nacer, y algunas a las que se dedica demasiado tiempo y no importan nada (los diálogos del funcionario con su "alter ego" en el espejo del cuarto de aseo son un auténtico parón). Pues aun así, quizá debido a la buena interpretación de todos los actores y en concreto de la actriz principal, o a que el director cree en lo que hace, la película entretiene. Ya es algo.

ALMA SALVAJE

VIAJE SIN EXPLICACIÓN

El espectador puede entender que la muerte de una madre super-protectora y el fracaso de un matrimonio imposible puedan llevar a la joven e inmadura protagonista a los niveles más bajos de degradación (drogas duras, alcohol, sexo indiscriminado...), pero ¿Que es lo que hace que esta persona adquiera la determinación de que recorrer en soledad el Pacific Trail Crest, uno de los más duros recorridos del senderismo, pueda significar su curación y el reencuentro consigo misma?. Este es el gran problema de esta película, bien interpretada y espléndidamente fotografiada...Que no explica nada, no hay motivos místicos, nada que justifique una decisión que  establezca una relación entre el camino y sus problemas. A la postre todo se confía a unas imágenes, atractivas sí, pero al mismo tiempo frías, que no llegan a emocionar salvo cuando aparece el personaje de la madre (Laura Dern, estupenda) y un viaje que tampoco nos vale como retrato de los estados que atraviesa y de sus gentes en los años noventa. Que se trate  de la biografía de un personaje real no es suficiente para hacerlo verosímil a nuestros ojos.

CORAZONES DE ACERO

RESTOS DEL GENERO
Cine bélico del que ya no se hacen demasiadas películas y de la GM II todavía menos. Pero esta historia sobre el horror del conflicto, sobre la insensatez del ser humano y su progresiva degradación, sobre hombres que han olvidado el significado de la palabra compasión y que lo único que pretenden es sobrevivir a cualquier precio, engancha y además está bien realizada e interpretada, con una primera media hora espléndida, en la que se fijan los parámetros de todo lo que va a venir después.
A pesar de la negrura, la narración no pierde sus tintes de epopeya, claramente explícitos en el último fotograma. Y siempre nos queda la idea de que a pesar de su deshumanización, todavía hay hombres con un sentido del honor, que, por encima de todo, entregan su vida al cumplimiento de la misión que les ha sido encomendada.

BIRDMAN

EXCESOS
Pido perdón. Perdón porque esta historia sobre la recuperación del ego de un actor degradado por su interpretación de un super-héroe hollywoodiense que quiere reinventarse montando una obra en Broadway, no me llega a interesar.
Pido perdón por no apreciar los alardes técnicosde una cámara que me pasea por el laberinto de las tripas del St. James Theatre en un seudo plano secuencia que me deja totalmente indiferente.
Pido perdón por no sentirme epatado por un borgiano realismo mágico que resulta un añadido para dar interés a una narración que podía contarse de forma mucho más sencilla.
Y es que a Iñarritu le pasa un poco como a Scorsese, que todo nos lo sirve en exceso y el exceso cansa e incluso llega a empachar. Si lo que se nos quiere relatar, entre otras cosas, son los entresijos del montaje de una obra de teatro y las relaciones entre esos seres tan especiales que son los actores, es obligado recordar algunas de las películas de Woody Allen sobre el tema, el humor desorbitado de "¡Que ruina de función!" de Bogdanovich o la sublime "Eva al desnudo" de Manckievicz. Lo que queda aquí son unas espléndidas actuaciones de Keaton, Stone y Norton, pero haría falta mucho más para que esta película tuviera sentido y justificara tanto elogio de la crítica y tantas nominaciones al Oscar.

NUESTRO INVIERNO

SUEÑOS DE INVIERNO

 En un pequeño pueblo de Capadocia de arquitectura y paisajes alucinantes, unos personajes, un matrimonio distante en las edad y en su relación, una mujer escapada de un matrimonio fracasado y un maestro, hablan, discuten, se retratan, hasta poner en evidencia su miserable condición humana, su incapacidad para comunicarse, para establecer unas mínimas bases para la convivencia. Y todo ello en contraste con otras personas de su entorno y en medio de una climatología dura, invernal, que no hace más que acentuar la desolación de sus almas. Son náufragos de unas vidas frustradas cuyas carencias en un momento dado, salen a la luz y que no dan lugar a la posibilidad de un cambio, de una rectificación que nos alivie de la angustia que, poco a poco, se nos va transmitiendo, aunque un final abierto, que permite más de una lectura, deje entrever un posible rayo de esperanza.
Película sorprendente, teatral en su planteamiento, pero cinematograficamente perfecta, que nos impacta y revuelve nuestras emociones más íntimas, tan árida como el entorno en que se desarrolla, tan rica como el ser humano, tan profunda como la diversidad de temas de los que trata. En resumen, retrato de unas vidas, aunque estas parezcan tan especiales como las que vemos ¿O quizá, no tanto?

MR. TURNER

Poco que aportar

21 de diciembre de 2014

  

De Mike Leigh, autor de películas notables, podía esperarse algo más que esta pesadísima biografía (?) de los últimos años de William Turner, en la que no se nos muestra nada del proceso creativo de su pintura, tan alejada de los academicismos de la época, ni siquiera de su extraño carácter o de su relación con el mundo que le rodea. La carencia de un guión coherente hace que todo quede reducido a una sucesión de imágenes tan reiterativas que inevitablemente, nos llevan a un profundo aburrimiento. Solo unas interpretaciones notables, la perfecta ambientación y una fotografía inspirada en ocasiones en la luz de los cuadros de Turner, se salvan de un naufragio que el artista no hubiera podido nunca plasmar.

St. VINCENT

El lado bueno de las personas

14 de diciembre de 2014

  

Quizá el argumento sea previsible y puede hacer recordar el de otras películas. Pero cuando el guión roza la perfección, la dirección es sencilla y espléndida y los actores creen en lo que hacen y bordan sus papeles, el resultado es una pequeña joya que activa todas las emociones del espectador, desde la risa a ponerle un nudo en la garganta. Lamentablemente, esto es cine, gran cine, la magia de un instante que dura lo que dura la película, porque no somos así, pero así nos gustaría que fueran las cosas, y cuando la película se acaba y la realidad se impone, echamos de menos, añoramos, el mundo de ficción en el que, fugazmente, hemos tenido la suerte de vivir.

THE IMITATION GAME: DESCIFRANDO ENIGMA

INTELIGENCIA

5 de enero de 2015

  

Poca gente sabrá quien fue Alan Turing pero hoy, todo el mundo sabe lo que es un ordenador aunque desconozca quien lo inventó y porqué. De eso trata esta película, de como la inteligencia de un hombre excepcionalmente dotado para las matemáticas le permitió crear una maquina que permitía descifrar "Enigma", el código secreto de los nazis, contribuyendo de esa forma a la victoria de los aliados en la GM II. Hasta aquí la narración es impecable: la lucha por lograr el éxito del equipo liderado por Turing y la falta de fe de las autoridades del MI 6 tienen suficiente contenido dramático para rellenar las casi dos horas del drama, ayudados por excelentes interpretaciones (sobre todo Cumberbatch y Knightley) y una perfecta ambientación. El problema es que el guión deja prácticamente de lado la tragedia personal de Turing, su homosexualidad, que apenas es tratada en la secuencia final y en las que trascurren en 1951, eludiendo de esa forma profundizar en la destrucción personal que una ley injusta, casi medieval, provocó en el protagonista. Quizá esa era otra película, pero con toda seguridad, habría añadido a esta una mayor densidad.